Artistes par nom de famille : A et B.

francis bacon

Francis Bacon est né à Dublin, en Irlande en 1909. Il a passé son enfance en Irlande et au Royaume-Uni où il a vécu de façon permanente dès 1928. L’un des plus importants peintres du vingtième siècle, connu pour ses séries de portraits et sa représentation unique du corps humain, les œuvres de l’artiste font partie des collections de grands musées tels que le musée Guggenheim de New York et la Tate Gallery de Londres.

Les œuvres de Francis Bacon sont acclamées par la critique dès le début des années quarante. En 1954 Bacon représente le Royaume-Uni aux côtés des peintres Lucian Freud et Ben Nicholson à la Biennale de Venise. D’importantes expositions et rétrospectives de l’artiste sont présentées dès les années soixante dix en Europe, au Japon, aux États-Unis et en Amérique du Sud. Francis Bacon est décédé lors d’un séjour à Madrid, en Espagne en 1992.

Julius baltazar

Né à Paris en 1949, Hervé Lambion débute sa carrière comme apprenti joaillier chez Arthus Bertrand. Son talent a été remarqué par Salvador Dali qui, le prenant sous son aile, le couronna d’un nom d’artiste : Julius en référence à César et Baltazar pour le roi mage.

Graveur et peintre, les créations de Julius Baltazar mêlent taille-douce, aquarelle, encre de Chine et crayon Arlequin. Les oeuvres de l’artiste sont présentées dans d’importantes collections publiques au Canada, en Espagne, en Belgique, en Suisse, au Japon et en France. L’artiste a également illustré plus de trois cents ouvrages de poésie.

hans belLmer

Hans Bellmer est né le 13 mars 1902 à Kattowitz, qui faisait à ce temps partie de l’empire allemand. L’artiste Allemand est le mieux connu pour ses sculptures de poupées prébubes ces érotiques qu’il a produit jusqu’en 1930. Il est également considéré comme un photographe surréaliste.

Étant taille normale, les poupées servent de discours sur le culte du corps féminin parfait, à ce temps très présent en Allemagne. Les corps étaient découpés, mutilés et présentés dans des poses non conventionnelles.

Le régime Nazi a déclaré son travail dégénéré et il a été force de quitter l’Allemagne pour la France où il a été bien reçu. Il s’intègre au mouvement surréaliste qui apprécient la sexualisation et la beauté féminine de ses œuvres.

Bellmer passe le reste de sa vie à Paris et abandonne ses sculptures de poupées pour faire du dessin érotique. Il explore également la gravure, la photographie, la peinture en gardant pour thème la sexualité explicite de jeunes filles.

Louis-pierre bougie

Louis-Pierre Bougie est né en 1946 à Trois-Rivières. Il poursuit sa formation en France où il étudie la lithographie à l'Atelier Champfleury et la gravure chez Lacourière et Frélault.

Membre fondateur de l'Atelier Circulaire de Montréal, il contribue aujourd'hui au développement de la gravure au Québec en accueillant à son atelier des artistes du monde entier. Récipiendaire de nombreux prix récompensant son talent de graveur, il compte à son actif plus d'une cinquantaine d'expositions solo au Canada et à l'étranger. Ses oeuvres font partie de nombreuses collections privées et publiques au Canada et en France.

Sans-titre 4

1994 | 37 x 106 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 5

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 6

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 7

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 8

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 9

1994 | 56 x 75 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 21

1972 | 22 x 18 cm | Eau-forte | 20 exemplaires

Sans-titre 22

1972 | 18 x 22 cm | Eau-forte | 20 exemplaires

Sans-titre 10

2001 | 65 x 50 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 11

2001 | 65 x 50 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 12

2001 | 65 x 50 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 13

1995 | 50 x 33 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 14

1995 | 50 x 33 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 15

1995 | 50 x 33 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 16

1995 | 50 x 33 cm | Chine collé, aquatinte et burin

Sans-titre 17

2008 | 54 x 101 cm | Aquatinte

Sans-titre 18

2008 | 54 x 101 cm | Aquatinte

Paul Bourgault

Paul Bourgault, artiste visuel originaire du Québec, s’est fait connaître pour l’originalité de sa démarche, alliant techniques traditionnelles et esthétiques contemporaines. Diplômé de l’Université du Québec à Montréal, il développe un univers pictural et graphique où la matière occupe une place centrale, explorant notamment les notions de mémoire et de territoire. Depuis le début des années 2010, il expose régulièrement ses œuvres dans différentes galeries canadiennes et internationales, suscitant l’intérêt d’un public varié. Son travail, reconnu pour sa sensibilité plastique et la force de ses contrastes, enrichit le paysage artistique de la province et au-delà.

guillaume brisson-darveau

Diplômé de l’Université Laval, Guillaume Brisson-Daveau vit aujourd’hui à Montréal, où il poursuit des études doctorales à l’UQAM. Il a eu l’occasion d’exposer son travail au Canada, en Allemagne, en Écosse, en Suisse, en Espagne, au Chili et au Japon, notamment lors de l’exposition Dobles de proximidad au Museo de Arte de Santiago, en 2018, et au NEoN Digital Arts Festival en 2016. Il a également bénéficié de résidences d’artiste au Canada comme à l’étranger, entre autres à l’Atelier Mondial (Suisse) et au Banff Center (Canada).

Anne brochu lambert

Anne Brochu Lambert est une artiste canadienne reconnue pour ses œuvres riches en textures et inspirées par la nature. Elle explore la mémoire et le passage du temps à travers des techniques mixtes, combinant collages, encres, pigments naturels et éléments trouvés. Diplômée en arts visuels, elle a exposé au Canada et à l’international, remportant plusieurs prix pour son approche innovante. Son art, influencé par les paysages québécois et l’interconnexion entre l’humain et l’environnement, invite à la contemplation et à la réflexion. Passionnée par le recyclage créatif, elle transforme des matériaux ordinaires en pièces uniques, mêlant poésie visuelle et engagement écologique.

Audrey Casalis

Audrey Casalis, née en 1995, est une jeune artiste visuelle française, reconnue pour ses compositions abstraites et son usage vibrant de la couleur. Diplômée de l’École des Beaux-Arts de Paris, elle s’inspire autant de la tradition picturale européenne que des techniques contemporaines de collage et de numérique. Ses œuvres explorent la frontière entre figuration et non-figuration, tout en abordant des thèmes sociaux et écologiques. Depuis 2017, elle expose régulièrement dans diverses galeries françaises et internationales, suscitant l’intérêt d’un public. S’engageant pour l’accès à la culture, elle anime également des ateliers d’initiation à l’art pour les jeunes publics, partageant son expertise.

Canivet

En cours de rédaction.

Bernard Chambon

Bernard Chambon, graveur et artiste visuel français, a obtenu en 2000 le prestigieux titre de Meilleur Ouvrier de France en gravure sur cuivre. Depuis le début des années 1990, il expose régulièrement ses œuvres, aujourd’hui présentes dans diverses collections publiques et privées en France, en Belgique, en Suisse, en Italie et au Canada. Associé à plusieurs ateliers spécialisés dans l’estampe, il allie des techniques de gravure traditionnelles (eau-forte, aquatinte) à des approches plus contemporaines. Sa pratique interroge le geste et la matière, tout en explorant la mémoire et le temps. Reconnu pour la finesse de ses lignes, il demeure une figure appréciée dans l’univers de l’estampe.

Jean-Michel Cropsal

Jean Michel Cropsal naît et passe son enfance au Maroc. Il étudie en France et travaille pour le théâtre: décors et costumes. Il émigre au Canada en 1975, poursuit son travail pour le théâtre et la danse, conçoit et réalise des vêtements. Durant ces années, il continue à dessiner, peindre et graver. Il expose, seul ou en groupe dans différents lieux et galeries, au Canada, au Maroc et en France. Il est membre de l’Atelier Circulaire depuis 20 ans.

Sans titre 2017

2017 | 27 x 38 cm | Aquatinte, eau-forte et Pointe sèche | 7 exemplaires

 Salvador Dalí

Salvador Dalí est un peintre, graveur et sculpteur de nationalité espagnole, né en 1904 et mort en 1989. Il est un des représentant les plus connus du surréalisme, auquel il s’est lié dans les années 1920, sur les conseils de Joan Miró. Après une période américaine, durant la Seconde Guerre mondiale, il regagne l’Espagne en 1949 et y demeure jusqu’à sa mort. Exclu du mouvement surréaliste, il se rapproche du catholicisme et développe une approche qu’il baptise le « mysticisme corpusculaire ». Les thèmes récurrents dans son œuvre sont notamment la sexualité, le rêve, la religion et sa femme Gala, qui fut longtemps sa muse.

CYNTHIA DINAN-Michell

Cynthia Dinan-Mitchell est détentrice d’un Baccalauréat en arts visuel de l’université Concordia (2002) et d’une Maîtrise en arts visuel de l’Université Laval (2007). Elle a exposé son travail à travers le Canada dans une variété de galeries et de centres d’artistes, notamment à Montréal, Québec et Jonquières.  

pierre durette

Originaire de Causapscal dans la vallée de la Matapédia, Pierre Durette détient un Baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Il s’est distingué au cours de ses études en remportant le Grand Prix Albert Dumouchel en 2004 suivi du concours Projet Insertion de l’atelier Graff en 2005.

Les œuvres de l’artiste ont été exposées au Québec et en Ontario, notamment au Musée d’art Contemporain de Montréal et à la galerie Power Plant à Toronto. Récipiendaire de la bourse d’excellence Marcel Bellerive, Pierre Durette a obtenu une bourse de recherche et création du Conseil des arts et lettres du Québec en 2009.

Max Ernst

Max Ernst est un peintre, graveur, collagiste et sculpteur, né à Brühl en 1891 et mort à Paris en 1976. Il a d’abord été associé aux mouvements dadaïste et surréaliste, de 1919 à 1938, période au cours de laquelle il se lie à des écrivains comme Tristan Tzara, Paul Éluard et André Breton, de même qu’à des artistes comme Joan Miró et Alberto Giacometti. Il gagne les États-Unis durant le Seconde Guerre mondiale, où il résidera jusqu’en 1953. Il y poursuit son travail d’artiste et s’adonne notamment au dripping, qui annonce le travail de Jackson Pollock. Il revient terminer sa vie en France, où il se consacre davantage à la gravure, auprès notamment de Georges Visat, à Paris, de même qu’à l’atelier Pierre Chave, à Vence.

1975 | 55 x 42 cm | Aquatinte, eau-forte et lithographie | Éditeur Georges Visat

Catherine Farish

Catherine Farish est née à Londres. Elle obtient un diplôme de l'École du Musée des beaux-arts de Montréal puis un baccalauréat en arts plastiques de l'Université Concordia en 1983. Elle complète ensuite sa formation en gravure avec un imprimeur de l'atelier Le Blanc à Paris.

L’artiste compte à son actif plus de 25 expositions en solo et de nombreuses expositions collectives en Amérique du Nord, en Europe et en Asie. Récipiendaire de plusieurs prix récompensant ses talents de graveur, les œuvres de Catherine Farish se retrouvent parmi de nombreuses collections publiques et privées au Canada et aux Etats-Unis.

Marc Garneau

Né à Thetford Mines en 1956, Marc Garneau pratique depuis plus de 40 ans l’estampe et la peinture, depuis Montréal, où il vit et travaille. Son travail a fait l’objet d’une soixantaine d’exposition solo et fait partie d’importantes collections publiques, dont celle du Musée d’art contemporain de Montréal et du Musée national des beaux-arts du Québec. Il est récipiendaire du Grand Prix de la Biennale du dessin, de l’estampe et du papier matière du Québec. 

Sans titre 1

2019 | 38 x 29 cm | Carborundum et pointe-sèche

Sans titre 2

2019 | 38 x 29 cm | Carborundum et pointe-sèche

John Heward

John Heward est né le 31 juillet 1934 à Montréal et mort dans la même ville le 6 novembre 2018. Diplômé de l’Université Bishops, récipiendaire du prix Paul-Émile Borduas en 2012, Heward a participé au cours de sa carrière à de nombreuses expositions collectives, au Canada et aux États-Unis, en plus d’avoir l’honneur d’exposition solo à Paris, Atlanta, Calgary et Toronto. 

Flux 3

2014 | 120 x 80 cm | Eau-forte et chine collé

céline huyghebaert

Céline Huyghebaert s'intéresse aux points de rencontre entre arts visuels et littérature à travers des projets d’écriture, de publication, d’exposition et de collaboration. Elle utilise une variété de techniques pour raconter des histoires à la croisée du documentaire et de la fiction : les procédés d'impression traditionnels et numériques, l'écriture, la photographie, le montage, mais aussi des outils plus sociologiques comme l'enquête, l'entrevue ou la recherche d'archives. Elle travaille particulièrement avec des gestes collectifs et des matériaux pauvres, comme du papier, des photocopies et des risographies.

Elle a eu la chance de recevoir plusieurs reconnaissances prestigieuses ces dernières années, comme la Bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain pour sa pratique artistique (2019), le Prix littéraire du gouverneur général pour Le drap blanc (Le Quartanier) (2019) ou le prix Artiste dans la communauté pour le projet « De tous nos corps », mené avec des personnes ayant reçu un diagnostic de cancer (2023). Elle a obtenu une maîtrise en littérature et un doctorat en arts visuels à l'UQAM qui a été soutenu par la bourse CRSH Vanier. Elle poursuit actuellement un postdoctorat entre le Québec et la France, qui implique la création d'un nouveau livre et d'une exposition autour de la représentation de la douleur.

Semées par le vent

2023 | 26,5 x 33 cm | Embossage et impression sur papier Arches | Autographe en bas

La marque

2023 | 36,5 x 26,5 cm | Impression sur papier Arches blanc | Autographe en bas

, tout passe par mon corps

2022 | 14,5 x 20,5 cm | Embossage sur argile et pigment noir | Autographe en bas

De poussière, de plâtre, de fantôme

2024 | 33 x 24,4 x 3 cm | Plâtre, impression jet d’encre sur calque, colle, tablette de fixation

Empreintes (variation 3)

2023 | 26,5 x 33 cm | Diptyque composé d’une gravure sans encre encadrée + un embossage sur argile et pigment noir sculpté (9 x 5 cm) | Autographe en bas

Carmen Isasi

Carmen Isasi, artiste visuelle espagnole, vit et travaille à Madrid, où elle développe une pratique artistique mêlant peinture, gravure et installations. Diplômée des Beaux-Arts à l’Université Complutense de Madrid, elle explore les rapports entre mémoire collective et identité, s’inspirant aussi bien de l’histoire de l’art espagnol que des enjeux contemporains. Depuis le début des années 2010, elle expose régulièrement en Espagne et à l’international, attirant l’attention d’un public varié. Reconnaissable par son usage subtil de la couleur et par la finesse de ses compositions, elle contribue à enrichir la scène artistique ibérique et au-delà.

lucie jolicoeur côté

Après s’être consacrée au dessin et à la peinture, l’artiste Lucie Jolicoeur Côté se tourne vers la gravure au début des années 1990. Éprise de la technique de l’eau-forte, l’artiste suit une formation au Centre Saidye Bronfman à Montréal pour ensuite participer à un stage de perfectionnement à Urbino en Italie.

Lucie Jolicoeur Côté est membre de l’Atelier circulaire et du regroupement ARPRIM. Les œuvres de l’artiste sont exposées au Canada et au niveau international et font partie de plusieurs collections publiques et privées.

Broderies d'étoiles

2015 | 55.9 × 39.4 cm | Eau-forte, chine et plaque découpée | 10 exemplaires

harold klunder

Né aux Pays Bas en 1943, Harold Klunder immigre au Canada en 1952. Installé à Toronto, il étudie au Central Technical School au début des années soixante. Sa première exposition solo en 1976 lance sa carrière de peintre, dès lors il ne cesse d’exposer ses oeuvres à travers le pays.

Les tableaux de Harold Klunder, développés au cours d’une période de plusieurs années, évoquent de vastes thèmes qui touchent autant la biologie, la psychologie, l’existence sensuelle, que la temporalité, la transformation, l’histoire et la mythologie. Selon Klunder, le désir de refléter l’expérience humaine est le fil conducteur de sa démarche. Depuis plusieurs années l’artiste a crée un corpus d’œuvres qui explorent le thème de l’autoportrait.

Les œuvres de Harold Klunder font partie d’importantes collections publiques dont celles de la Galerie nationale du Canada, du Musée des beaux-arts de Montréal et de la Art Gallery of Ontario.

Jean-pierre larocque

Né à Montréal en 1953, Jean-Pierre Larocque suit une formation en dessin et en gravure à l’Université du Québec à Montréal au cours des années soixante dix. Plus tard il se consacre à la céramique qu’il étudie à l’Université Concordia pour ensuite obtenir une maîtrise de l’université Alfred de New York.

Ayant vécu et enseigné aux États-Unis pendant une dizaine d’années, l’artiste entreprend également de nombreux voyages en Europe et en Asie. Ses œuvres font parti de nombreuses collections publiques et privées en plus d’être exposées régulièrement en Amérique du Nord. L’exposition solo Trapping Shadows a inauguré le nouveau Gardiner Museum of Ceramics de Toronto en 2006. Jean-Pierre Larocque réside et travaille à Montréal.

Hélène Latulippe

Hélène Latulippe est une artiste canadienne établie à Montréal. Elle a étudié le design industriel et depuis 2012 détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia à Montréal. 

Depuis, elle se concentre principalement sur les Arts visuels. Elle a aussi étudié en France et en Italie. 

 Elle a présenté plusieurs expositions individuelles et de groupes notamment  à Calgary, Toronto, au Royaume-Uni et en Norvège. Elle a été artiste invitée en Norvège, Montréal et au Banff Center for the Arts and Creativity comme résidente indépendante au Leighton Colony Artists Studios, dans le cadre du Programme du Conseil des arts et des lettres du Québec – Résidences d’artistes et d’écrivains québécois au Banff Centre. 

Elle est boursière du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ) et de l’Université McGill à Montréal. Elle est lauréate de la 9e Biennale internationale d’Estampe contemporaine de Trois-Rivières pour la qualité de son travail et Artiste professionnelle 2014, ville de Montréal - arrondissement de Lachine.

 Son travail fait déjà partie de plusieurs collections publiques et privées, dont Air Canada, Banque Nationale du Canada, Concordia University ainsi que des bureaux d’avocats, d’architecture et de design

Traces

2012 | Triptyque, 76 x 228 cm | Pointe sèche

René Laubiès

René Laubiès est né en 1924 à Saigon où il a également passé son enfance. Suite à des études en droit au Maroc, il s’installe à Paris en 1949. Voué à la peinture depuis l’adolescence, l’œuvre de l’artiste sera exposée, reconnue et primée dès les années 1950.

Menant une existence de nomade pendant plus de trente ans, René Laubiès a partagé sa vie entre Paris et l’Inde, où il a créé la majorité de ses œuvres, en plus de voyager en Grèce, en Iran et en Turquie. Les créations de l’artiste, abstractions épurées et lumineuses, sont souvent influencées de philosophie orientale. Il est décédé à Mangalore, Inde en 2006.

Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein est né le 27 octobre 1923 à Manhattan. Connu pour ses tableaux représentant des bandes dessinées, le travail de Lichtentstein s’inscrit dans le mouvement du pop art. Ses oeuvres empruntent le style BD, mais le contenu parodie le genre avec beaucoup d’humour. Sa technique par excellence est l’emploi exagéré des points Ben-Day, un genre de pointillisme propre à l’impression de bande dessinée qui, en superposant des points de couleurs l’un sur l’autre, crée des couleurs secondaires. Son style, inévitablement influencé par la culture de la publicité américaine, est selon lui de la peinture industrielle plutôt que de la peinture américaine.

En 1951, sa première exposition solo a lieu à la galerie Carlebach à New York. Dans les années 1960, ses toiles sont exposées à la galerie Leo Castelli à New York aux côtés d’Andy Warhol, Jasper Johns et de James Rosenquist.

Liechtenstein obtient une maîtrise en arts visuels de l’université de l’état d’Ohio en 1949 et obtient ensuite un poste de professeur à la même école. Il y reste 6 ans et revient à New York pour poursuivre sa démarche artistique.

L’artiste est décédé le 29 septembre 1997 à Manhattan.

Roberto Matta

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren est né le 11 novembre 1911 à Santiago au Chili. Son nom figure parmi les plus importants contributeurs du mouvement surréaliste et expressionniste au Chili.

Il a réalisé ses premières études en architecture à la Pontificia Universidad Católica de Chile, mais a abandonné ses études pour s’installer à Paris en 1933. Pendant ses voyages en Europe, il côtoya Arschile Gorky, René Magritte, Salvador Dali, André Breton et Le Corbusier.

On le connait bien pour ses «inscapes», des toiles qui cherchent à donner forme à la psyché humaine. Il s’inspirait d’ailleurs des écrits de Freud et de l’idée que l’espace psychique existe en trois dimensions. Plus tard, ses oeuvres reflètent l’état du monde politique des années 1940 et 1950 et l’on constate l’apparition de machineries et de figures affligées.

Roberto Sebastián Matta est décédé à l’âge de 91 en Italie.

Oeuvre l’instant

1977 | 65 x 50 cm | Aquatinte et eau-forte

Nid de Noeds

1979 | 67 x 52 | Aquatinte et eau-forte

Jean mcewen

Jean McEwen est né à Montréal en 1923 et décédé dans la même ville en 1999. Encouragé par Paul-Émile Borduas, McEwen a parfait sa maîtrise de la peinture et de l’estampe à Paris et à Montréal, sous l’influence d’artistes comme Jackson Polock, Mark Rothko et Jean-Paul Riopelle. Son travail a été exposé dans de nombreuses villes, dont Montréal, Toronto, New York, Paris et Londres. Certaines de ses œuvres figurent dans des collections publiques d’importance, comme celle du Musée des beaux-arts du Canada. McEwen a été récipiendaire du Prix Paul-Émile Borduas en 1998. 

Martin Müller-Reinhart

Martin Müller-Reinhart est né à Soleure, Suisse en 1954. Il a travaillé à Paris de 1977 à 2009. Utilisant aussi bien la peinture que la gravure ou la sculpture, son œuvre se développe autour de plans et de lignes qu’il agence de manière à créer un espace virtuel, lieu de rencontre de tous les possibles.

L’artiste compte parmi ses oeuvres plusieurs installations d’envergure qui créent des espaces sobres de silence et de méditation à l’intérieur d’églises et d’espaces publics. Il a notamment investi la chapelle Saint Louis de la Salpetrière à Paris en 1989 et l’église du Gesù à Montréal en 2009.

 Johny Ngbwa

Johny Hycinte Ngbwa est né au Cameroun en 1995. Déménagé en Italie en 2005, il s'est intéressé à l'art dès son plus jeune âge et s'est ensuite inscrit en 2009 à l'Institut d'État d'Art de Forlì, où il obtient le diplôme de maître ès arts et le baccalauréat en décoration picturale et restauration.

Depuis 2014, il fréquente l'Académie des Beaux-Arts d'Urbino où il est diplômé en art graphique et en 2020 il obtient un diplôme de spécialiste en édition et illustration pour l'art graphique. Il exerce désormais la fonction d'enseignant au MIUR (Ministère de l'Éducation, de l'Université et de la Recherche).

stella pace

L’artiste Stella Pace travaille depuis longtemps le ciment, matière qui la fascine et qui porte l'essentiel de son oeuvre. Procédant par séries où les formes se démultiplient, l’artiste crée des œuvres personnelles à forte charge psychologique.

Ses sculptures et gravures, sont crées par un processus d’accumulation où les composants bruts sont travaillés avec vigueur: aux strates organiques et entrecroisements de matière viennent s’ajouter des traces et empreintes improvisées.

ED PIEN

Ed Pien est né à Taipei, Taiwan en 1958. Il immigre avec sa famille au Canada à l’âge de onze ans. En 1984 il obtient une maîtrise en arts visuels de l’université York à Toronto. Ayant fait l’objet de nombreuses expositions, ses œuvres ont notamment été présentées au Musée des beaux-arts de Montréal, au Drawing Center à New York et au Centro Nacional de las Artes à México.

Née d’un amalgame d’influences issues de l’orient et de l’occident, l’œuvre de Ed Pien est ancrée dans la pratique du dessin. Ses créations prennent souvent la forme d’installations complexes de grand format au cœur desquelles le spectateur déambule. Les œuvres de l’artiste sont incluses dans d’importantes collections internationales, notamment celles de la Galerie nationale du Canada, du Museo de arte y deseno contemporaneo du Costa Rica, et de la Fundacion Antoni Tapies, en Espagne. Ed Pien vit et travaille à Toronto.

Man Ray

Man Ray, de son vrai nom Emmanuel Radnitzky, était un artiste américain qui a passé presque la totalité de sa carrière en France à Paris. On connait surtout ses oeuvres photographiques avant-gardistes, mais il produit également des oeuvres dans d’autres médiums, et il se considérait peintre. En tant qu’artiste, il a grandement contribué aux mouvements dada et surréaliste.

Man Ray créé, entre autres, des photogrammes, qui sont des types de photos réalisées sans l’aide d’une camera, qu’il renomme «rayographs». En 1920, il collabore avec Marcel Duchamps à New York sur un projet d’art cinétique. La même année, il fonde également avec Katherine Dreier la Société Anonyme, une exposition d’oeuvre itinérante, qui deviendra la première instance muséale d’art moderne aux États-Unis.

En 1925, avec Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró, et Pablo Picasso, Man Ray a participé à la première exposition surrealiste à la Galerie Pierre à Paris.

Il est décédé à l’âge de 86 ans le 18 novembre, 1976 à Paris.

 Stephanie Russ

Née à Montréal, Stephanie Russ a obtenu en 1990 un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia, puis une maîtrise en beaux-arts de l’Université de l’Alberta, en 1994. Elle se consacre avant tout à la gravure et au dessin. Son travail a été présenté lors d’expositions solo et collectives, à l’occasion de biennales et de triennales internationales, dans différents pays, comme les États-Unis, la Serbie, la Pologne, l’Allemagne, la Bosnie, l’Égypte, le Japon, la Belgique, la France et le Canada. Elle s’est méritée plusieurs bourses de développement technique et professionnel et a récemment gagné le prix Francine Turcotte. Elle a été artiste en résidence à l’Atelier Circulaire, en 2007, de même qu’à Presse Papier en 2019. Elle travaille présentement à l’Université Concordia à titre d’instructrice; elle y enseigne la lithographie, l’impression sur écran et l’impression numérique.

Icy waters

2019 | 44 x 100 cm | Sérigraphie et numérique | 7 exemplaires

Francine simonin

Née en 1936 à Lausanne en Suisse, Francine Simonin a vécu à Montréal de 1968 jusqu’à son décès en 2020. Au cours de ses quarante ans de carrière, elle a présenté plus de deux cents expositions individuelles et a remporté de nombreux prix et distinctions au Canada et en Europe.

En 2004, le Musée national des beaux-arts du Québec et la Fondation Monique et Robert Parizeau lui ont remis un prix soulignant sa contribution exceptionnelle à l’histoire de l’estampe au Québec. Ses œuvres font partie de collections publiques en Suisse et au Canada et de nombreuses collections privées à travers le monde.

 Dorothea Tanning

Peintre, graveure, sculptrice et écrivaine américaine, Dorothea Tanning est née à Galesburg (Illinois) en 1910 et morte à New York en 2012. Installée dans cette dernière ville à partir des années 1930, elle est d’abord associée au mouvement surréaliste, ce qui la conduit à s’installer en France à partir de 1953. Elle réoriente ensuite son œuvre autour, notamment, de l’exploration des fantasmes féminins, et se consacre davantage à la gravure, auprès de Georges Visat et de Pierre Chave, en particulier. Elle regagne les États-Unis à la fin des années 1970 et y poursuit son travail, publiant entre autres de la poésie jusqu’à sa mort, à l’âge de 101 ans. 

 Marcelo Troche

Né à Montevideo (Uruguay) en 1971, Marcelo a vécu à Madrid et à Grenoble avant que sa famille s’installe à Montréal (Canada). Il passe maintenant son temps entre Montréal et Mérida, au Yucatan au Mexique, où il possède son propre sanctuaire de photographie.

Après avoir obtenu son diplôme en photographie au Cégep du Vieux Montréal, il a été recruté par l'un des meilleurs laboratoires de photographie noir et blanc, où il a développé un grand intérêt pour la photographie en noir et blanc et les techniques de laboratoire. Sa créativité et son talent l'ont amené à explorer la photographie publicitaire et éditoriale, passant du film à la photographie numérique, sans toutefois perdre sa passion pour le développement photographique en laboratoire et la photographie en noir et blanc.

En 2015, Marcelo va étudié à New York le « Tintype » et commence à maîtriser la technique tout en poursuivant sa carrière dans la publicité.

Il y a deux ans, en 2017, une vascularite cérébrale a brutalement frappé Marcelo. Après une longue hospitalisation, de nombreuses tentatives de traitement et une longue convalescence, il dut faire le deuil de sa carrière professionnelle. Mais cela a fait que Marcelo a décidé se consacrer à ce qu’il aime vraiment dans la photographie: le « tintype ». Il a trouvé dans cette technique un moyen de célébrer la beauté de ce qui semble repousser à première vue.

Raoul Ubac

Raoul Ubac est né le 31 aout 1910 à Cologne. Il passe une partie de sa jeunesse en Allemagne, mais se rend par la suite à Paris, où il s’inscrit à la Sorbonne. Il fréquente le milieu surréaliste et rencontre Camille Bryen, Otto Freundlich et André Breton.

Raoul Ubac expérimente en photographie des procédés de brûlage, de solarisation et de pétrification et expose en 1933 à Paris le résultat de ses recherches.

IL réalise également des dessins, des gravures, des gouaches, des toiles, des reliefs, des hauts-reliefs, des tapisseries et des vitraux.

Ubac est décédé le 24 mars 1985 en France.

Maria Helena Vieira da Silva

Maria Helena Vieira da Silva est née à Lisbonne au Portugal le 13 juin en 1908. Dès un jeune âge, elle développe un intérêt pour le dessin et la peinture et on l’inscrit à l’Academia de Belas-Artes ou elle étudie jusqu’à son adolescence. Ensuite, elle étudie la peinture avec Fernand Léger, la sculpture avec Antoine Bourdelle et la gravure avec Stanley William Hayter, tous des maîtres dans leurs domaines.

Dès ses 22 ans, elle exposait ses oeuvres à Paris. Ses compositions, largement influencées par Cézanne, sont complexes et denses. Elles évoquent les ambiguïtés spatiales du cubisme. Dans les années 1940 et 1950, son travail reflète la réalité de l’après-guerre à Paris. Ses images de la ville sont remplies de gens se bousculant et donnent l’impression de labyrinthes par la perspective de profil ou de haut.

En 1956, elle devient citoyenne française. Elle est également la première femme à recevoir le Grand Prix National des Arts en 1966 et en 1979 est nommée Chevalier de la Légion d’honneur. Vieira da Silva est décédée le 6 mars 1992.

Béatrice Sokoloff

Béatrice Sokoloff, graveuse et artiste visuelle née en Suisse, a vécu à Montréal, au Canada, où elle était membre active de l’Atelier Circulaire. Depuis 2006, elle exposait régulièrement ses œuvres, aujourd’hui présentes dans de nombreuses collections publiques et privées au Canada, en Suisse, en Espagne, au Portugal, au Brésil, en Angleterre, en Italie, en Roumanie et en Israël. Alliant techniques traditionnelles et approches contemporaines, sa démarche explorait la mémoire, le territoire et l’identité. Décédée en 2019, elle laisse derrière elle un héritage artistique riche, marqué par la finesse de son trait et l’intensité de ses compositions gravées.

Wang Suo Yuan

Wang Suo Yuan est né en Chine et vit en France depuis 2002. Initié à la photographie par son père, il a aussi œuvré dans la joaillerie et le graphisme, avant de se tourner vers les beaux-arts. Formé en gravure à l’École des Beaux-Arts de Versailles, puis à l’atelier Contrepoint à Paris (ex-Atelier 17 de Stanley William Hayter), il choisit à partir de 2006 d’entamer une recherche plus personnelle sur les variations du trait, afin de développer un mode d’expression propre. Récipiendaire de plusieurs prix, il a présenté son travail au public dans de nombreuses expositions solos et collectives ainsi des biennales et foires internationales, en France, en Chine, en Espagne, au Japon, aux États-Unis, en Corée du Sud, en Belgique, en Roumanie, au Canada et en Allemagne, notamment à la Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières.

Inner Landscape III - I - II - IV - V

Red Line - composition 3

2016 | 56 x 76 cm | Eau-forte et gaufrage d'un fil encré

A simply story I

2019 | 56 x 76 cm | Gravure sur bois

Le parfum de la nuit

2017 | 65 x 50 cm | Eau-forte, aquatinte et vernis mou

Zao Wou-Ki

Zao Wou-Ki est un peintre et graveur chinois, naturalisé français, né à Beijing en 1920 et mort à Nyon (Suisse) en 2013. Formé à l’École des beaux-arts de Hangzou, il s’installe à Paris à partir de 1949, fréquente l’académie de la Grande-Chaumière et se lie d’amitié avec de nombreux artistes français et étrangers. Si son œuvre, à ses débuts, se compose surtout de peintures réalistes, elle s’oriente, à partir de sa découverte de Paul Klee, vers l’abstraction puis l’abstraction lyrique. Renommé internationalement, plusieurs fois décoré en France, il connaît un retour en grâce dans son pays d’origine à partir des années 1980.